Quy trình thiết kế UX là một loạt các bước mà designer thực hiện để biến ý tưởng thành giao diện thân thiện với người dùng. Có nhiều cách khác nhau để tiếp cận quy trình thiết kế UX, nhưng hầu hết các UX designer đều tuân theo các bước dưới đây:

Bước 1: Xác định (Define)

Trong giai đoạn đầu tiên, bạn cần xác định chính xác mình cần tạo những gì và vì sao. Tại sao cần tạo ra sản phẩm này? Sản phẩm này phục vụ cho ai? Nó có thể giải quyết những vấn đề nào? Các cuộc họp với các bên liên quan sẽ giúp bạn trả lời những câu hỏi này.

Ngoài buổi kick-off dự án, bạn sẽ có một bộ thông số kỹ thuật để làm việc, cũng như một bản phác thảo low-fi concept để sử dụng trong các bước tiếp theo.

Bước 2: Nghiên cứu (Research)

Trong giai đoạn này, các designer tiến hành nghiên cứu để hiểu sâu hơn về người dùng và nhu cầu của họ. Nghiên cứu này giúp họ tạo ra sự đồng cảm với người dùng và hiểu những gì họ cần từ sản phẩm hoặc dịch vụ.

Nghiên cứu người dùng (user research) và nghiên cứu thị trường (market research) là những thành phần cần thiết của giai đoạn này. Nghiên cứu người dùng có thể có nhiều hình thức, chẳng hạn như phỏng vấn, khảo sát, nhóm tập trung,… Nghiên cứu thị trường là xem xét những thứ như xu hướng ngành và phân tích cạnh tranh.

Có một vài cách khác nhau để bạn tiến hành nghiên cứu người dùng. Một phương pháp phổ biến là lập bản đồ hành trình của khách hàng (customer journey map), cho phép bạn xem các bước mà người dùng thực hiện khi họ tương tác với sản phẩm của bạn. Một kỹ thuật phổ biến khác là kiểm tra khả năng sử dụng (usability testing), việc này sẽ cung cấp cho bạn phản hồi trực tiếp từ người dùng về những gì hoạt động tốt và những gì cần cải thiện.

Bước 3: Phân tích & Lập kế hoạch (Analysis & Planning)

Trong giai đoạn lập kế hoạch, các designer lấy tất cả thông tin họ thu thập được trong giai đoạn nghiên cứu và bắt đầu lên kế hoạch về cách họ sẽ đáp ứng những nhu cầu đó. Designer sẽ phát triển chân dung người dùng (user personas), câu chuyện của người dùng (user stories), wireframe và các kế hoạch cấp cao khác trong giai đoạn này.

Đây cũng là lúc các designer suy nghĩ xem sản phẩm sẽ được xây dựng như thế nào và những công nghệ nào là cần thiết. Họ phát triển một lộ trình cho dự án (roadmap) và bắt đầu thiết lập các cột mốc.

Bước 4: Thiết kế (Design)

Khi đã hiểu rõ về người dùng của mình và có kế hoạch phát triển, designer sẽ bắt đầu phác thảo một số ý tưởng về cách người dùng sẽ tương tác với giao diện của họ. Ở giai đoạn này, designer sẽ nghĩ về những thứ như bố cục tổng thể, điều hướng và các yếu tố cụ thể trên mỗi trang.

Chìa khóa ở đây là nghĩ về trải nghiệm người dùng trước tiên. Họ sẽ tương tác với giao diện của bạn như thế nào? Họ cần loại thông tin nào để có thể tìm thấy dễ dàng? Bằng cách trả lời những câu hỏi này, bạn có thể bắt đầu hình thành một bức tranh rõ ràng về giao diện của mình sẽ trông như thế nào.

Giai đoạn thiết kế này thường bao gồm cả khía cạnh UX và UI, vì bạn sẽ làm việc với những thứ như:
– Information architecture
– Navigation
– Layout
– Usability and accessibility
– Microcopy

Sẽ có sự thay đổi giữa các giai đoạn thiết kế UX và UI, trong đó bạn biến các wireframe và giao diện low-fi của mình thành thứ gì đó bóng bẩy hơn. Tức là bạn sẽ tiến hành phối màu, làm việc với kiểu chữ và biểu tượng. Tất cả những yếu tố này kết hợp với nhau sẽ tạo ra một giao diện mang tính thẩm mỹ và dễ sử dụng.

Bước 5: Tạo mẫu (Prototyping)

Sau khi có giao diện người dùng (UI), giờ đây bạn sẽ biến nó thành một nguyên mẫu hoạt động. Tạo nguyên mẫu (prototyping) cho phép bạn trình bày trải nghiệm thực tế hơn cho thử nghiệm khả năng sử dụng (usability testing) của mình, sau đó có thể cung cấp phản hồi chính xác hơn và thông tin chi tiết về “những gì đang hoạt động” và “những gì không hoạt động”.

Các nguyên mẫu (prototypes) có thể ở dạng low-fi hoặc hi-fi và chúng có thể được tạo bằng nhiều công cụ khác nhau, chẳng hạn như InVision, Justinmind và Axure.

Bước 6: Thử nghiệm (Testing)

Trước khi ra mắt, bạn cần phải kiểm tra giao diện với người dùng thực. Thử nghiệm khả năng sử dụng (usability testing) giúp xác định bất kỳ điều gì cần cải thiện trước khi sản phẩm cuối cùng được đưa vào hoạt động và cung cấp phản hồi từ người dùng.

Bạn càng nhận được nhiều thông tin từ thử nghiệm của mình, bạn càng dễ dàng xác định chính xác những gì cần sửa đổi trước khi đưa sản phẩm vào sử dụng. Do đó, hầu hết các phiên kiểm tra đều được theo dõi trong một khoảng thời gian để bạn có thể thực hiện những thay đổi này trong công việc thiết kế của mình.

Bước 7: Khởi chạy (Launch)

Sau khi thử nghiệm hoàn tất và tất cả các thay đổi cần thiết đã được thực hiện đối với hi-fi UI, sản phẩm đã sẵn sàng để bàn giao cho nhóm phát triển triển khai.

Bước 8: Cải tiến (Iteration)

Sau khi ra mắt, sản phẩm (dù là trang web, ứng dụng hay sản phẩm kỹ thuật số khác) vẫn chưa hoàn thành. Quá trình thiết kế là một chu kỳ liên tục được cải tiến khi người dùng tương tác và cung cấp phản hồi về sản phẩm.

Mục tiêu là liên tục cải thiện trải nghiệm người dùng bằng cách thực hiện các thay đổi nhỏ và cải tiến theo thời gian. Bằng cách liên tục cải tiến thiết kế của mình, bạn có thể đảm bảo rằng sản phẩm của mình vẫn có thể sử dụng được và phù hợp với đối tượng mục tiêu trong nhiều năm tới.

Lời kết

Trong bài viết trên, chúng ta đã cùng tìm hiểu về quy trình thiết kế UX. Thực hiện theo quy trình thiết kế UX 8 bước nêu trên để đảm bảo rằng bạn đang tạo ra các sản phẩm lấy người dùng làm trung tâm, dựa trên dữ liệu và hiệu quả.

Tham gia ngay khóa học Thiết kế UI/UX chuyên nghiệp của iDesign: Khóa học thiết kế UI/UX tại Đà Nẵng – IDesign

12 nguyên tắc Animation là những kỹ thuật quan trọng nhất mà bạn phải thành thạo để trở thành một Animator chuyên nghiệp. Được tạo ra vào những năm 1930 (và được giới thiệu lần đầu tiên trong The Illusion of Life: Disney Animation) bởi những người tiên phong trong lĩnh vực hoạt hình – Frank Thomas và Ollie Johnston, 12 nguyên tắc này tuân thủ các định luật vật lý cơ bản và cũng giải thích cho cảm xúc và sự hấp dẫn của hoạt ảnh.

Mặc dù ban đầu được phát triển để phác thảo bằng bút chì, các nguyên tắc này cũng được áp dụng cho hoạt hình kỹ thuật số. Chúng sẽ hướng dẫn bạn để tạo nên các hoạt ảnh nhân vật hấp dẫn và chân thực. Hãy cùng iDesign tìm hiểu về 12 nguyên tắc trong Animation ngay dưới đây!

1. Thời gian và Khoảng cách (Timing & Spacing)

Thời gian và Khoảng cách trong Animation là yếu tố tạo cho chúng ta cảm giác rằng các đối tượng và nhân vật đang chuyển động theo các định luật vật lý.

Thời gian đề cập đến số lượng khung hình (frame) giữa hai tư thế hoặc tốc độ hành động. Ví dụ: Nếu một quả bóng di chuyển từ màn hình bên trái sang màn hình bên phải trong 24 khung hình, thì đó sẽ là thời gian. Phải mất 24 khung hình hoặc 1 giây (nếu bạn đang làm việc với tốc độ phim là 24 hình/ giây) để quả bóng đến phía bên kia của màn hình. Thời gian cũng có thể dùng để thiết lập tâm trạng, cảm xúc và tính cách.

Khoảng cách đề cập đến cách các khung hình riêng lẻ đó được sắp đặt. Chẳng hạn, trong cùng một ví dụ, khoảng cách sẽ là cách quả bóng được định vị trong 23 khung hình khác nhau. Nếu khoảng cách gần nhau, quả bóng sẽ di chuyển chậm hơn. Nếu khoảng cách càng xa nhau, quả bóng di chuyển nhanh hơn.

2. Nén và Giãn (Squash & Stretch)

Độ co giãn mang lại sự linh hoạt cho các đối tượng. Cách dễ nhất để hiểu nguyên tắc này hoạt động như thế nào là hình dung một quả bóng nảy. Khi quả bóng bắt đầu rơi xuống và tăng tốc, quả bóng sẽ căng ra ngay trước khi va chạm.

Khi quả bóng chạm đất, nó sẽ bẹp lại rồi căng ra một lần nữa khi nó nảy lên. Cần lưu ý rằng khối lượng của một đối tượng không thay đổi. Trong trường hợp của quả bóng, khi nó bị nén hoặc căng, chiều rộng và chiều sâu cần phải tương ứng cho phù hợp.

Nguyên tắc này có thể được thể hiện trong nhiều lĩnh vực hoạt hình khác nhau để thêm hiệu ứng hài hước hoặc hấp dẫn hơn. Chẳng hạn như làm cho nhân vật chớp mắt để thể hiện sự ngạc nhiên, hoặc căng mắt ra để biểu hiện sự sợ hãi.

3. Sự chuẩn bị/ lấy đà (Anticipation)

Hành động chuẩn bị làm gì đó có tác dụng giúp khán giả dự đoán được nhân vật hoạt hình sẽ làm gì tiếp theo.

Lấy một ví dụ dễ hiểu: Trước khi một cầu thủ bóng chày ném bóng, trước tiên họ cần di chuyển toàn bộ cơ thể và cánh tay về phía sau để có đủ năng lượng ném bóng về phía trước. Điều này không chỉ tăng động lực của nhân vật mà còn cho khán giả biết người này sắp di chuyển.

4. “Vào chậm” và “Ra chậm” (Ease In/ Slow In & Ease Out/ Slow Out)

Khi bất kỳ vật thể nào chuyển động hoặc dừng lại, chúng cần phải có thời gian để tăng tốc và giảm tốc. Nếu không thì các chuyển động sẽ trông rất máy móc và không tự nhiên.

Khi một chiếc ô tô bắt đầu di chuyển, nó không đạt tốc độ tối đa ngay lập tức mà phải tăng tốc dần. Còn khi nó dừng lại, nó không đi từ 60 xuống 0 trong chớp mắt, mà sẽ chạy chậm lại cho đến khi dừng hoàn toàn.

Điều tương tự cũng phải được áp dụng trong hoạt hình. Để áp dụng nguyên tắc Ease in và Ease out này, chúng ta cần sử dụng nguyên tắc giãn cách (spacing). Khi một nhân vật bắt đầu đứng lên từ tư thế ngồi, khoảng cách của mỗi tư thế sẽ gần nhau hơn để họ có thể dễ dàng chuyển động. Khi họ đã đứng lên, họ sẽ dễ dàng thoát khỏi (ease out) chuyển động bằng cách đặt các tư thế cách xa nhau hơn khi kết thúc hành động. Nếu không có các hành động tăng tốc và giảm tốc này, mọi thứ sẽ rất đột ngột và giật cục.

5. Hành động “kéo theo” và “quá đà” (Follow Through & Overlapping Action)

Nguyên tắc này nói rằng khi một bộ phận của cơ thể di chuyển, nó sẽ kéo theo sự dịch chuyển của các phần còn lại (vai -> cánh tay -> bàn tay -> ngón tay), vì vậy bộ phận làm chủ sẽ di chuyển trước các phần còn lại, đó là follow through (tạm dịch là kéo theo).

Khi dừng một chuyển động, không phải tất các các bộ phận đều dừng lại cùng một lúc. Chúng vẫn giữ chuyển động một lúc rồi mới dừng hẳn, thường là những bộ phận đi kèm của nhân vật (trang phục, phụ kiện) hay phần cuối của hành động “kéo theo” (ngón tay).

Ngoài ra, các nhân vật còn lại vẫn cần thể hiện một số loại chuyển động (như chớp mắt, thở, v.v.) để ngăn hoạt ảnh trông như bị đóng băng, cứng đờ.

6. Di chuyển theo đường cong (Arcs)

Hầu hết các chuyển động của con người và động vật đều theo đường cong (arc), vì xương người và động vật cấu trúc theo dạng hoạt động theo đường kính (khối cầu) xung quanh khớp xương nên không thể chuyển động thẳng từ điểm này đến điểm kia như cái máy được. Việc tuân thủ nguyên tắc này sẽ giúp đảm bảo hoạt ảnh của bạn có được chuyển động mượt mà và chân thực.

7. Cường điệu (Exaggeration)

Sự cường điệu (hay phóng đại) được sử dụng để đẩy các chuyển động đi xa hơn, tạo thêm sức hấp dẫn cho một hành động và phải luôn được thực hiện ở một mức độ nào đó.

Áp dụng nguyên tắc này để tạo ra các chuyển động mang tính “hoạt hình”, bao gồm các thay đổi về thể chất hoặc các yếu tố siêu nhiên. Việc áp dụng sự cường điệu trong Animation sẽ tạo cảm giác vui nhộn, thích thú, nhưng nếu phóng đại quá so với thực tế thì sẽ khiến người xem thấy kỳ quái.

8. Hình vẽ tốt (Solid Drawing)

Trong hoạt hình 2D, solid drawing là tạo ra một bản vẽ chính xác về khối lượng và trọng lượng, độ cân bằng, bóng và giải phẫu trong một tư thế. Nếu nắm được các kiến thức này, chúng ta có thể khiến bức vẽ trở nên thú vị và thuyết phục. Ngày nay, với sự hỗ trợ của máy tính, chúng ta không cần phải vẽ, nhưng các kiến thức trên cũng có thể hữu ích đối với các animator.

Với hoạt hình 3D, người làm phim hoạt hình cần suy nghĩ về cách tạo dáng cho nhân vật 3D của mình để đảm bảo có sự cân bằng và trọng lượng chính xác, cũng như hình bóng (silhouette) rõ ràng.

Animator cần tránh việc tạo tư thế bên này y đúc với bên còn lại, tức là cả hai tay nhân vật đều chống nạnh hoặc cả hai tay đều đút túi. Điều này có thể khiến người xem cảm thấy nhàm chán và không hấp dẫn.

9. Sự lôi cuốn (Appeal)

Nguyên tắc này góp phần làm tăng thêm sức hấp dẫn trong hoạt ảnh của bạn, chẳng hạn như trong việc tạo dáng.

Không quan trọng nhân vật xấu hay đẹp, chính diện hay phản diện, sự lôi cuốn vẫn có thể được biểu hiện nếu khán giả có thể kết nối với nhân vật. Còn nếu bạn thiết kế một nhân vật phức tạp hoặc khó hiểu thì sẽ làm giảm đi sự hấp dẫn.

10. Hành động thẳng tiến và từng bước (Straight Ahead Action & Pose to Pose)

Hành động thẳng tiến là một cách tiếp cận tuyến tính để tạo hoạt ảnh liên tục từ cảnh này đến cảnh khác, từ đầu đến cuối. Với Straight ahead action, bạn sẽ lần lượt tạo từng tư thế của hoạt ảnh. Lấy một ví dụ, nếu nhân vật của bạn tiếp đất sau khi nhảy lên không trung, bạn sẽ tạo các tư thế mà anh ấy đang đứng -> bắt đầu cúi xuống -> cúi xuống thấp hơn nữa. Straight ahead action sẽ làm cho hành động nhanh trở nên trôi chảy và năng động.

Pose to Pose là thực hiện các tư thế quan trọng trước, sau đó mới hoàn thiện các cảnh trung gian. Ví dụ như khi bạn tạo hoạt ảnh cho nhân vật từ khi nhảy lên không trung rồi sau đó tiếp đất, bạn sẽ sử dụng ít tư thế hơn (đứng và cúi người). Việc này cho phép chúng ta thực hiện công việc đơn giản hơn, đồng thời đảm bảo tỷ lệ và thời gian chính xác trước khi thêm các chi tiết còn lại. Pose to Pose rất phù hợp với các cảnh quay chậm, kịch tính hoặc giàu cảm xúc.

Thông thường, hai cách tiếp cận này được sử dụng kết hợp trong một cảnh quay để đạt hiệu ứng tốt.

11. Hành động phụ (Secondary Action)

Hành động phụ đề cập đến các hành động hỗ trợ hoặc nhấn mạnh hành động chính để thổi thêm sức sống vào hoạt ảnh và tạo ra hiệu suất thuyết phục hơn. Điều quan trọng cần nhớ là hành động phụ thường phải là điều gì đó tinh tế mà không lấy đi sự chú ý vào hành động chính. Vì lý do này, các chuyển động ấn tượng sẽ được ưu tiên hơn những thứ khác như là biểu cảm trên gương mặt, vung tay khi nói chuyện,…

Giả sử một nhân vật đang nói chuyện với một nhân vật khác trong phòng chờ. Hai người họ nói chuyện sẽ là hành động chính, nhưng nếu một trong số họ bắt đầu rung chân một cách lo lắng, thì đó sẽ là hành động phụ. Ngoài ra còn có một số ví dụ khác: Một nhân vật huýt sáo, dựa vào tường hoặc khoanh tay trong khi hành động chính đang diễn ra.

12. Dàn cảnh (Staging)

Dàn cảnh là cách bạn tiến hành thiết lập cảnh của mình, từ vị trí của các nhân vật, đến các yếu tố hậu cảnh và tiền cảnh, tâm trạng của nhân vật và cách thiết lập góc camera. Dàn cảnh được sử dụng để làm cho mục đích của hoạt hình trở nên rõ ràng đối với người xem. Bạn sẽ tập trung vào những gì bạn muốn truyền đạt tới khán giả (và tránh những chi tiết không cần thiết) để họ không bị nhầm lẫn.

Lời kết

Bài viết trên đã chia sẻ đến bạn 12 nguyên tắc trong Animation mà bạn cần nắm để trở thành một animator chuyên nghiệp. Nếu bạn muốn làm việc trong lĩnh vực này, hãy đăng ký tham gia ngay khóa học Thiết kế 3D Animation của iDesign tại: Khóa học Thiết kế 3D Animation tại Đà Nẵng (idesign.edu.vn)

Về cơ bản, con đường trở thành họa sĩ hoạt hình 3D khác với một họa sĩ hoạt hình 2D. Điều này là do các nhà làm phim hoạt hình 3D thực sự không cần phải thành thạo kỹ năng vẽ. Bởi vì công việc làm hoạt hình 3D có thể được thực hiện bằng phần mềm máy tính. 3D Animator chỉ cần điều khiển và thao tác với các nhân vật mà họ tạo theo cách tương tự như di chuyển một con búp bê. Tuy nhiên, vẫn có nhiều người thắc mắc liệu làm phim hoạt hình 3D có cần biết vẽ hay không. iDesign sẽ giúp bạn giải đáp các thắc mắc đó trong bài viết dưới đây.

Làm hoạt hình 3D có yêu cầu kỹ năng vẽ không?

Nếu bạn muốn trở thành một 3D animator, bạn không cần phải có kỹ năng vẽ chuyên nghiệp. Điều mà các nhà làm phim hoạt hình cần nắm vững chỉ là 12 nguyên tắc cơ bản trong 3D animation. Việc nắm vững các nguyên tắc cơ bản sẽ giúp bạn trở thành một nhà làm phim hoạt hình 3D “xịn xò” ngay cả khi bạn không thể vẽ tốt.

Vì sao animator không cần biết cách vẽ?

Ưu điểm của hoạt hình 3D là các 3D animator không cần phải biết vẽ giỏi, nhưng các 3D animator vẫn có thể tạo ra những bộ phim hoạt hình tuyệt vời. Nhiều 3D animator chuyên nghiệp cũng cho rằng điều quan trọng đầu tiên là phải biết cách làm hoạt hình trước chứ không phải biết vẽ trước. Bên cạnh đó, biết cách vẽ chuyên nghiệp không quá quan trọng đối với người làm phim hoạt hình 3D.

Hoạt hình tốt không phải là hình ảnh đẹp mà là hoạt hình có chuyển động tốt và đẹp mắt. Nếu hoạt hình của bạn có thể đem lại sự giải trí và làm các animator thấy ấn tượng thì đó là một kết quả xuất sắc. Như vậy, một artist chuyên nghiệp không nhất thiết phải là một 3D animator chuyên nghiệp và ngược lại.

Trong trường hợp bạn muốn trở thành một họa sĩ hoạt hình 2D, thì kỹ năng vẽ tốt là rất quan trọng để tạo ra những thước phim hoạt hình 2D xuất sắc.

Nhìn chung, việc rèn luyện kỹ năng vẽ còn tùy thuộc vào mục tiêu của bạn trong sự nghiệp thiết kế phim hoạt hình của mình. Nếu bạn biết vẽ thì cơ hội sẽ rộng mở hơn.

3D Animator cần trang bị kỹ năng gì?

Sự cẩn thận, tỉ mỉ và kiên nhẫn

Người làm hoạt hình 3D cần phải có tính cẩn thận để đảm bảo độ chính xác cao. Bên cạnh đó, họ cũng cần có khả năng làm cho các đối tượng trông sống động và chuyển động chân thực.

Đây chắc chắn không phải là điều dễ dàng và ngày càng trở nên khó khăn bởi mỗi dự án phim hoạt hình lại có những nhân vật khác nhau. Ngoài ra, bạn cũng cần kiên nhẫn, không ngại mắc lỗi và chăm chỉ. Đó là bởi vì việc tạo ra hoạt hình 3D sẽ đòi hỏi một thời gian tương đối dài và nỗ lực tối đa để tạo ra tác phẩm mong muốn.

Kỹ năng giao tiếp và làm việc nhóm tốt

3D animator cũng cần có kỹ năng giao tiếp tốt vì các dự án hoạt hình 3D được thực hiện với một nhóm gồm nhiều họa sĩ hoạt hình. Do đó, cần có kỹ năng giao tiếp tốt để trao đổi ý kiến và phối hợp với nhóm.

Kỹ năng kỹ thuật

Ngoài các kỹ năng trên thì các 3D animator chắc chắn phải biết sử dụng máy tính và các phần mềm hoạt hình 3D, cũng như các phần mềm cần thiết khác để tạo hoạt ảnh. Đây là kỹ năng quan trọng nhất để bạn có thể trở thành một nhà làm phim hoạt hình 3D.

Vậy bạn cần làm gì tiếp theo để trở thành một nhà thiết kế 3D animation?

Hãy dành thời gian để tìm hiểu về công việc thiết kế phim hoạt hình qua các diễn đàn, blog hay các kênh youtube để xác định liệu bạn có thực sự yêu thích công việc này hay không. Sau đó, để có thể làm việc một cách chuyên nghiệp, bạn cần tham gia vào một chương trình đào tạo và học, thi lấy chứng chỉ. Không bao giờ ngừng học hỏi và khám phá các cơ hội cũng như kinh nghiệm để tạo ra một portfolio tuyệt vời cho chính mình. Đó là những gì bạn cần làm để có thể trở thành một nhà thiết kế 3D Animation chuyên nghiệp.

Nếu bạn đang tìm kiếm một khóa học thiết kế 3D Animation chuyên nghiệp tại Đà Nẵng, hãy tham khảo ngay khóa học của iDesign tại đây: Khóa học Thiết kế 3D Animation tại Đà Nẵng (idesign.edu.vn)

Màu sắc là một thành phần không thể thiếu khi nói đến các thiết kế. Và trên thực tế, có không ít các designer gặp khó khăn với việc sử dụng màu sắc trong các thiết kế của mình. Trong bài viết này, iDesign sẽ cùng bạn tìm hiểu về quy tắc màu 60-30-10 và cách ứng dụng quy tắc này nhé!

Quy tắc 60-30-10 là gì?

Trong giới thiết kế, quy tắc 60-30-10 là quy tắc giúp hướng dẫn các designer lựa chọn và kết hợp màu sắc cho các thiết kế của họ.

Nói một cách đơn giản, quy tắc này nói rằng màu chủ đạo/chính nên chiếm 60% thiết kế của bạn, màu thứ cấp nên chiếm 30%, trong khi màu nhấn nên chiếm 10% thiết kế của bạn.

Tại sao quy tắc này quan trọng?

Nhấn mạnh các yếu tố chính: Quy tắc 60-30-10 rất tốt trong việc nhấn mạnh các yếu tố chính trong thiết kế của bạn. Màu chủ đạo thu hút sự chú ý đến các bề mặt lớn và thiết lập mood tổng thể của thiết kế. Màu thứ cấp hỗ trợ nó, trong khi màu nhấn ở mức 10% làm nổi bật các tính năng hoặc phần cụ thể của thiết kế.

Cân bằng thị giác: Để đạt được sự cân bằng thị giác trong một thiết kế, một màu/ yếu tố không nên lấn át những màu khác. Quy tắc 60-30-10 đảm bảo rằng thiết kế tạo cảm giác cân bằng, bằng cách phân bổ tỷ lệ phần trăm cho mỗi màu.

Tính đơn giản và nhất quán: Kết hợp 3 màu giúp đơn giản hóa quá trình thiết kế, đồng thời ngăn chặn sự kết hợp quá nhiều màu sắc.

Cách chọn màu sắc cho thiết kế của bạn

Quy tắc 60-30-10 có ba thành phần:

Màu chính: Đây là màu chủ đạo của thiết kế, nó sẽ chiếm 60%. Màu chính thường là màu trung tính và thường được sử dụng làm nền cho thiết kế. Các màu như trắng, xanh dương, be, v.v. có thể được sử dụng làm màu chủ đạo.

Màu thứ cấp: Màu này hỗ trợ màu chủ đạo và tăng thêm sự thú vị về mặt hình ảnh cho thiết kế. Nó chiếm khoảng 30% thiết kế. Màu thứ cấp có thể được sử dụng cho kiểu chữ, biểu tượng và tiêu đề phụ/ phụ đề trong một thiết kế. Các màu như đen, xanh đậm và các màu khác có thể được sử dụng làm màu thứ cấp.

Màu nhấn: Màu này thường chiếm khoảng 10% thiết kế. Nó giúp làm nổi bật các phần cụ thể của thiết kế như nút (button), phần tử kêu gọi hành động (CTA) hoặc bất kỳ phần tử nào cần nhấn mạnh trong thiết kế. Màu nhấn thường là những màu có độ tương phản cao. Các màu như vàng, cam, xanh lục nhạt và các màu khác tạo nên các màu nhấn tốt.

Điều quan trọng là bạn có thể chọn được các màu sắc bổ sung cho nhau trong thiết kế của mình. Điều này sẽ góp phần vào tính thẩm mỹ tổng thể và tạo ra trải nghiệm hình ảnh sinh động và hấp dẫn.

Nếu bạn đang đắn đo về việc sử dụng màu gì trong khi thiết kế, bạn có thể sử dụng một số trình tạo bảng màu miễn phí từ:

• Coolors.co
• Color Space
• Adobe Color

Tham khảo khóa học thiết kế đồ họa của iDesign tại đây: Khóa học thiết kế đồ họa chuyên nghiệp tại Đà Nẵng -iDesign

——————————–
iDesign – Nơi tốt nhất để học thiết kế!
🏫 Địa chỉ: 92 Quang Trung, Hải Châu, TP. Đà Nẵng
☎️ Hotline: 02363 888 279